现在李小沛做录音，拿到素材会先问这是录什麽样的音乐，然后思考一下，想想该怎麽表现。李小沛说这很多要靠经验，例如和瑞鸣的合作，唱片内容是传统戏曲，他要先想想这到底是什麽，怎麽表现，每一项乐器加进来之后，都要问这项乐器究竟扮演怎麽样的角色。究竟这项乐器是主奏、背景、旁枝、骨干，搞清楚了，再把收录进来的音乐先行处理，做出一个雏形，然后和製作人讨论，究竟是不是符合乐曲的主旨。

这种创作是固定模式还是变化多端？李小沛说他在每一张唱片裡面，即使是相同类型的音乐，使用的方法也都不尽相同，但李小沛并没有和唱片公司讲，也不多做解释，只把结果呈现出来。譬如丝竹类的乐曲，李小沛说他帮许多唱片公司製作过这类型唱片，但每一张录音个性都不同，有的要表现细节，有的追求质感，有的表达意境，但他都没有多做解释，实际去听就能听出差异。

两声道v.s多声道

在李小沛的录音作品中，几乎都是两声道的录音，我问李小沛，录音的演变有没有可能多声道迎头赶上？答桉也很有趣，李小沛说：「当人们听过多声道的录音，也越来越熟悉之后，答桉就越来越清楚了，这不是天天可以吃的饭。或许偶而听一下很刺激，但天天听或许不太适合。」

此话怎说？李小沛说两声道的录音目标很清楚，就是尽可能透过录音的手段，重现音乐现场的气氛与场景，但是在多声道的录音中，目标就很不确定了，究竟要把音乐营造成包围聆听者，还是让聆听者感觉音乐舞台在前方，乐器相对的位置究竟该怎麽摆，对录音或溷音工作而言都可以做到，但这样做究竟好不好，或是能不能符合聆听者的习惯，没有一个标准。所以最后演变成录音师自己玩，用自己的想像和情境设定，带来不一样的多声道听感，可是交给聆听者评判时，如果不能让大家听习惯，很难让市场接受。讲到这裡，答桉出来了，在两声道的录音中，真实自然已经是准则，加上一些美感还可以接受，但多声道目前还没准则。

我很好奇，李小沛似乎很少参与大型交响乐团的现场录音作品，不过李小沛说，他其实录过很多年现场的交响乐，但他已经放弃不想录了。他认为录交响乐团没有创作，而且过程中费尽了所有录音的手段，还是不如现场，交响乐有太多细节，太难配合了。譬如乐队不是很好、空间不是很好、乐器不是很好，录音师所有的劲都使在这上面，想把乐团的音色平衡起来，但原来的声音就不够好、不够平衡，录音师要想办法把它弄得很好，这哪裡有办法。李小沛表示，国外有很多好的交响乐录音，那些有很棒的场地搭配着第一流的乐团，但这样一来录音师的本领也就派不上什麽用场，选好的麦克风，照教科书的方法摆设起来，录音自然水准就有。「所以问我想不想再去录製交响乐，坦白说，还真不想去做。」李小沛如此说道。

不仅是技术，也是艺术

在北京中央电视台与李小沛对谈，阐述了录音不仅是技术，也是艺术的观念。在北京中央电视台的大录音棚中，耗时费力地收录每一项乐器的演奏细节与空间残响，透过李小沛与叶云川共同的审美观，汇集出瑞鸣唱片的生命力。或许，你现在就可以找一张瑞鸣的唱片，不管是「粉墨是梦」或「伶歌」，试着在自己的音响系统上，体会李小沛的录音艺术。